值得收藏的创意绘画和触目惊心的写实绘画作品

1.古典素描：以线带调子式，这一类素描线是主导，明暗色调依附于线，简略概括的画出形体关系和肌理效果，最终线和色调融为一体，画面蕴含“无线”的线意，呈现出细致的写实效果。文艺复兴的古典大师，以及后来的安格尔，怀斯等大师，都是这一绘画体系。

2.体面素描：空间结构式，这一类素描所观察的现象世界是立体的而非平面的，强调体面转折，将对象立方体块面化，从而获得强烈的立体效果，体面素描将对象理解为不同的透视斜面组成。俄罗斯绘画体系是这一绘画的代表。

3.结构式：倾注对事物内部解剖结构和组合的观察与分析，这一类素描的表现主题，明暗关系忽略不计，线为主，几何化的强调出事物的构造特征，结构素描的基本特征是对事物构造原理的把握，目前艺术学院的工业造型以及设计专业通常以此类素描作为基础训练。

4.光影素描：没有光，事物无法呈现出视觉形象，只能给人触觉感受，而有光就有影，光和影构成明暗关系成为色调深浅变化的依据。对于光影效果的模仿是光影素描的兴趣中心，法国近现代素描就是这一观念。其效果是色调丰富，边缘线虚实处理，以及光感和空间感的逼真表现。

    以上四种素描分别从形、体、结构、色调为其观察和出发点来观察世界。写实素描发展到现代，逐渐形成了四种类型的综合表现，也就是后来派生出的全因素素描、超写实素描等

人们常把素描分为两类,一类为写实素描—再现性素描;另一类为意象素描—表现性素描。一般来说,低年级的素描课程,应该侧重于写实素描的训练,也就是说,在这个阶段应该把培养学生正确的观察方法和掌握过硬的造型能力作为重点,并要求学生能掌握客观具体如实地再现对象的能力。 写实素描是一种客观造型法,它的写实性决定了它的“真实、客观”等特点,它的训练目的是对客观对象作深人细致的全面观察和研究,通过不断地实践,掌握正确地、深刻地塑造形象的能力,即“真实再现”的造型技能。这种技能具有一定的可视性,它通过画面的线条、调子将客观对象的形象特征、体积、质感等诸因素逼真地表现出来,这种再现能力的培养,依赖于敏锐的观察力和较强的感觉能力,以及情感因素的调动。 从整体意义上说,素描的目的,不仅仅是为了再现对象,再现只是一种手段,表现才是更高的目的。但从教学意义上说,素描首先要训练再现对象的能力,如果不具备再现的能力,表现也就无从谈起。但是,应该考虑的是,再现应该是怎样的再现?是照相式的消极再现,还是有选择的积极再现?是冷冰冰的再现,还是富于激情的再现?是概念化的图解式的再现,还是有真实感受的再现?

素描：是指运用铅笔或者炭笔之类的单色调黑色美术用笔对物体进行刻画， 

只强调明度而不强调色彩的绘画形式，通常用单色来完成的绘画。 

注重结构和明暗，并用明暗关系在二维平面上表现三维立体的艺术效果。 

是造型艺术的基础。 

“素描”是一个很古老的词语，许多人都已经为它下了无数的定义、做了无数的解释和图示，似乎不需我再补充点什么了，我只需多去图书馆看看书、多问问老师、多画几张静物、石膏像、人体和速写就可以学好素描，我以前确实是这么想的。但我没有想到我现在能这样迷上素描，花一年多时间来画素描、研究素描，用整整三个周的时间（包括下午、周六和周日）来画一张“全因素”的素描。更没想到这种写实性素描还能有如此丰富的表现力和生命力，它改变了我对许多问题的看法，借此机会我想谈一下我对于写实性素描的一些理解。 

首先，素描是油画的基础，俗话说有什么样的素描就有什么样的油画，每一种流派和风格的油画作品都相应于各不相同的素描基础，要画写实性油画就需要写实性素描基础。写实性素描一直以来都是在教学当中扮演“基本功”的角色，我们大概都是从学习如何拿铅笔画一个球体或立方体开始我们的学习绘画之路的，我记得在这期间老师们大都是教给我们一种所谓整体观察的方法，教给我们三大面无调子、透视、人体基本比例，还有宁赃勿净、宁方勿园等等道理，这是为了让我们具备再现物象的能力——写实能力，并一再使我们相信这是画好油画的基础。但现在好像世道变了，各种绘画流派在中国都有了，表面上看来写实性绘画不太吃香，写实性素描的日子也不好过。有些人甚至提出素描基础够用了，我们已经不需要写实性素描训练了，应该把写实性素描训练从基础教学中剔除，其实他们是把绘画的范围定义窄了，进而把素描基础的范围定义窄了。画的写实画没有错，写实有写实的魅力，而且这完全是因人而异的，艺术的发展方向本来就不是由几个理论家决定的。画写实的素描更没有错，关键是你要画什么样的油画，你要发展出什么样的艺术表现形式你就需要什么样的素描基础。我要画出在空间中的人体，就需要学习如何用素描画出在空间之中的人物形体的基本功。我要在我的作品中画出物体间正确的比例透视关系，那我就需要掌握一种如何正确找准物体之间比例、透视关系的素描基本功，在写生中更多得注意各物体之间的色调、质感等的表现就不是很重要了。如果一个学生希望将来成为个“表现主义”艺术家，把一张人体素描画的面面俱到大概就没有必要了。所以，没有基本功够用不够用的，只有你需要什么样的。在出国看到了达芬奇和伦勃朗等大师的原作后，我深深地感到我们的写实能力还差得很远，现在写实的绘画不少，各种风格都有，有学这个的、学那个的，就是没几个学到位的，还真没几个画到“超写实的”，其实都是因为素描上还没到位，我们的写实性素描基本功不是够了而是还远远不够。 

其次，我认为素描就应该是写实的，不存在非写实的素描。写实性素描应该是人的一种对自然界最朴素的描绘方式。一方面，它可以反映出一个人的兴趣点、个性和其身体内部那种神秘的气质，它是每一个人的个性的最朴素的表现。伦勃朗和达芬奇的素描差别很大，何尔拜因和丢了的素描就是外行人看来也能感觉出它们之间的不同，这些差异都是他们独特的个性不同所造成的结果。另一方面，一幅素描作品必然是自然的反映，不存在超自然的素描，它反映的可能仅是自然现象的某一方面的要素，但无论达芬奇的素描手稿还是伦勃朗的小铜版画，它们都是源于自然、源于生活、源于我们人类可见的世界。因此，每一个物体都存在于光线的包围中，有光、有影、有虚、有实，一个正常人的眼睛看到的理应是一个存在与空间之中的完整的形体，有近、有远、有前、有后，这不是鱼的眼睛、牛的眼睛、蜻蜓的眼睛所能够看得到的。我们看到的世界就是“现实的”，无需“用孩子的眼睛看世界”、“用牛眼观察”，我必须相信我眼前的世界是真实可信的，并把这一信息通过作品传达给观众，我必须被我的作品中所反映的真实性所感动，才有可能感动别人。我们应该努力去学习、去研究、去试验，以“再现”出我们眼前的现实，既为写实。但这里所说的“再现”和我以前认为的再现是不同的，它的含量更大，既包括自然物象的再现，还包括作者生命实体的再现，而后者的分量更重、难度更大。所以，不是把一件物体画得像照片就完了，应该画得比照片还要真实。在看大师的原作时，我站在一幅幅名作前久久不愿离去，感觉不到呼吸，完全陶醉在作者所创造的氛围中，并被其所创造的形象所吸引，我已经忘记了关注技法和体裁，这些形象即为观念，即为作品的生命。要创造这些有生命力的形象，就需要具备独到的素描理念，需要用自己的真心去体味自然，用自己的生命去感悟万物，用自己的眼睛去感受光和影、感受空气、感受人体的线条和皮肤的质感、还有色调上那微妙的变化，并依据自己的兴趣点加以认真地分析，通过大量的实践，对几个基本问题进行长期不懈的探索（有些探索可能是需要一生去完成的）。只有这样才能在画面上做到“像”，真正的“像”，在这些逼真的形象面前不需要语言、不需要文字解释，因为作品的形象中已经包含了生命，它会说话。每一幅大师的作品都好像包含着作者的生命的一部分，而正是因为作者把它的一部分生命放到了他们的作品中——哪怕是一张不起眼的小素描中，于是这幅作品才变成了杰作，以至于几百年后，当我们在看到它时就好像看到了作者本人，并能被其所创造的形象打动。正是因为他们创造了这项形象，他们才成为大师。 

最后，关于“超写实”，它应该是属于写实的范畴的，是更进一步的写实，更惊人的再现。最近，也出现了所谓“超写实”的素描作品，但好像更像是黑白照片，更像是一种带有观念性的特殊的艺术形式。现在，对何谓“超写实”的素描定义还不是很一致，字面上讲是“超级写实”，它和写实的最高境界是完全一致的，但实的点不一定一样，因为每一个人认为的“真实”肯定是有微小的差别的。在我看来，一幅写实性素描作品只要在所有因素都照顾到的情况下，在个别点上（比如黑白、空间、比例等等）有重点、独到的侧重就应该算是“超写实”的作品了。 

 

21岁的日本艺术达人Nagai Hideyuki近日晒出他的3D立体素描！你是哪个领域的达人？不妨晒晒你的达人作品。

 

超写实油画作品，空间：

 

 

曾俐她来自湖南，毕业于中央美术学院视觉传达专业，研究生在美国明尼阿波利斯艺术设计学院，主修平面设计。喜欢中国文化，书法，国画和道德经。对儿童插画也有浓厚得兴趣。致力于设计思考与研究，希望把设计文化与设计思考方式带入普通人的生活和思维中。 

她的风格偏简练，干净清新，希望用最简洁的方式传达出设计思想。同时的她主题和媒介多样。她的作品有印刷书籍，有手工实体，有插画，有中文字研究，有静帧动画，也有视频等。 

 

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